EL BAUL DE LA MEMORIA: marzo 2007

sábado, 31 de marzo de 2007

HECTOR GAGLIARDI

PARA LA VIEJA

HECTOR GAGLIARDI Escritor argentino
ESCUCHALO

Héctor Francisco Gagliardi nació el 29 de noviembre de 1909 en Concepción, Buenos Aires, Argentina.

Desde muy joven se dedicó a la poesía, componiendo versos que luego recitaría en público, haciendo de ello su actividad profesional.

Autor de varios volúmenes de poesías incursionó frecuentemente en el tango, componiendo inicialmente dos paginas con música de Aníbal Troilo, tituladas "Medianoche" y " Claro de luna".

Se han publicado:

VERSOS DE MI CIUDAD
PUÑADO DE EMOCIONES
POR LAS CALLES DEL RECUERDO
ESQUINAS DE BARRIO
EL SENTIR DE BUENOS AIRES.

EL TANGO DEL MILLON

AÑO 1970

"El tango del millon" de LS84 TV Canal 11 (Teleonce), Buenos Aires, Argentina.
UNA VERDADERA PERLITA DE LOS '70

BUENOS AIRES...AYER

SOLO PARA NOSTALGICOS
Para los abuelos, nuestros viejos, el comienzo, el desarrollo de una ciudad que en nada se parece a la actual Buenos Aires, imagenes de principios del siglo XX
SE QUE ES MUY VIEJO, PERO FORMA PARTE DE ESA MEMORIA ADULTA DE QUIENES HOY, ASOMBRADOS MIRAN BUENOS AIRES.

DOCUMENTO IMPERDIBLE Y UN BANDONEON QUE TE CALA LOS HUESOS

TITANES EN EL RING

NAAAAHH...

LA MOMIA CONTRA MARTIN KARADAGIAN

La Momia Vs Karadajian (Completo)

"UNA PELEA A MUERTE"

Esta es una de las pocas veces en que en los titanes en el ring se dieron peleas tan memorables, Karadajian se cortó el parpado a proposito para hacer la pelea mas impresionante.

BEE GEES.....MUY PIBES

LOS HERMANOS GIBB

Bee Gees fue un grupo musical británico compuesto por los hermanos: Barry Gibb, nacido el 1 de septiembre de 1946, y por los gemelos Robin y Maurice Gibb, nacidos en 1949. b A la década de los cincuenta comenzaban a actuar en público, en pequeños conciertos en su tierra natal. El nombre de Bee Gees se debe a las iniciales de Brothers Gibb (hermanos Gibb), que son BG y en inglés se pronuncia Bee Gees.

Bee Gees - To Love Somebody 1967

Corria el año 1967 y estos hermanos hacian una de sus primeras presentaciones
un tema que alguna vez nos toco bailar en el momento de los "lentos"
Aqui se ve a los Hermanos Gibb muy pibes y con un estilo inconfundible como la voz que aun sigue siendo la misma.

Olivia Newton John - Xanadu

Una joyita de nuestro tiempo, Olivia Newton John y Gene Kelly
Una pelicula con temas impresionantes, para verla una y otra vez
Aca uno de los momentos de ella y el tema principal del film

Olivia Newton John - Xanadu

EL PESO ARGENTINO

ANTES DEL "AUSTRAL"

Vigencia: 1983 - 1985
Símbolo monetario: $a
Equivalencia: 1 $a = 10.000 $Ley

El Peso Argentino (símbolo: $a) fue la moneda vigente en la Argentina en el período 1983-1985. Fue creada mediante el Decreto 2270 y entró en vigencia el 1° de junio de 1983. Cada Peso Argentino equivalia a 10.000 $ (Peso Ley 18.188). A diferencia del anterior cambio de moneda, esta vez no hubo resellado de billetes.

Sin embargo, la inflación en este periodo siguió en ascenso y en junio de 1985, es reemplazada por una nueva moneda, el Austral.

SIEMPRE HUBO UN TIEMPO QUE FUE MEJOR AL ACTUAL

LA MONEDA NACIONAL

ESTO SI ERA PLATA...TE ACORDAS?

Vigencia: 1881 - 1969
Símbolo monetario: m$n

Emisión 1942-1969

En 1942, el Banco Central decide emitir sus primeros billetes propios, con un diseño más moderno y seguro, abandonando la clásica Efigie del Progreso. Por problemas de momentánea falta de capacidad, algunas series fueron impresas en Inglaterra, pero luego se retomó la impresión en la Casa de Moneda. Se utilizaron los sistemas de impresión Offset (0,50 M$N y 5 M$N) y para el resto, el sistema calcográfico.

PETER FRAMPTON

UN GRANDE LEJOS
AÑO 1976 Y UN TEMA QUE LA SIGUE ROMPIENDO

Peter Frampton - Show Me The Way
CONOCE MAS DE PETER

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( Peter Frampton era una de las estrellas de roca más grandes de la arena de los años 70, haciendo su nombre en gran parte en el concierto doble-LP que viene Frampton determinado vivo. Frampton era uno de varios artistas de la roca de los años 70 (beso, truco barato, los etc.)… a romperse a través a una audiencia ancha con un álbum vivo; como los otros, él había registrado varios álbumes anteriores y había construido viajar extenso directo siguiente, en el proceso que afilaba con piedra una presencia emocionante del concierto. Ese Frampton ayudado viene vivo se convierte en el álbum vivo mejor-vendedor de toda la hora (hasta ese punto), con ventas eventual sobre de seis millones de unidades en los E.E.U.U. y sobre 16 millones de copias por todo el mundo. Frampton había pagado casi el valor de una década de deudas antes del superstardom que alcanzaba, y desafortunadamente para él, demostró ser de breve duración -- la mala suerte y una falta de duplicar el fenómeno de Frampton viene vivo conspirado al alto su ímpetu de la carrera.
Peter Frampton era el 22 de abril de 1950 nato, en la ciudad de Beckenham en Kent. Él comenzó a tocar la guitarra en la edad ocho, y tomó varios años de lecciones clásicas. En sus adolescencias tempranas, él jugó con la roca y los combos del rodillo como el pequeño Ravens, el Trubeats, y los predicadores, el último de cuáles fueron manejados por la cuenta Wyman de las piedras del balanceo y aparecieron en la demostración de la TV lista, se estabilizan, van. En 1966, Frampton cayó extraescolar para ensamblar MOD-hace estallar el grupo la manada, donde él consiguió su primer gusto del éxito. La manada anotó varios golpes británicos sobre 1967-1968, y miradas jóvenes de Frampton las buenas te hicieron un ídolo adolescente, ganándote la etiqueta la “cara de 1968” de la presión de la música. En 1969, Frampton salió de la manada para formar la empanada humilde duro-oscilante con las caras pequeñas erstwhile Steve frontman Marriott. Aunque la empanada humilde fue contrapesada para una brecha después de dos años de viajar, Frampton salió en 1971 diferencias excesivas en la dirección musical, y decidía a comenzar una carrera a solas.

Ya realizándose en la señal de George Harrison todas las cosas deben pasar, trabajo contribuido Frampton de la guitarra al hijo de Nilsson de Schmilsson, y lanzado su álbum a solas del principio, viento del cambio, en 1972. A pesar de ayuda de los gustos de Ringo Starr y Billy Preston, no pudo hacer mucho de un impacto. Frampton después formó el camello de un Frampton doblado venda oficial del forro, que incluyó el keyboardist Mickey Gallagher (Cochise), las voluntades de Rick del bassist (Bell y arco), y redoblante Mike Kellie (diente Spooky). Su 1973 álbum, camello de Frampton, también vendido decepcionante, pero Frampton comenzó a construir viajar cercano-constante directo siguiente sobre los años próximos. Él rompió para arriba el camello antes del lanzamiento de su álbum siguiente, 1974's de Frampton algo que sucedía. El título probaría profético: La carta recordativa, Frampton, se convirtió en su primer golpe LP en América, subiendo en los 40 superiores de 1975 y oro que iba.

Por este punto, Frampton había amontonado un catálogo considerable de underexposed las canciones, el mejor de cuál era construido firmemente y cargado con los ganchos. Él también convertido en un drenaje superior del concierto, puesto que él podía inyectar esas canciones con una energía que faltaba a veces de sus excursiones del estudio. Más, en concierto, él amplió a menudo las canciones en los vehículos para su guitarra económica, de buen gusto que jugaba, y su uso pionero del efecto de la guitarra de la hablar-caja se convirtió en una pieza de la marca registrada de sus funcionamientos. Todos esos elementos vinieron juntos en Frampton vienen vivo, un sistema doble-LP registrado en Winterland de San Francisco en 1975. El álbum era una rotura violenta de la sorpresa, alcanzando gran altura rápida y súbitamente a la tapa de las cartas (donde permanecía por diez semanas) y vendiendo sobre 16 millones de copias por todo el mundo para hacer el álbum vivo más popular con todo lanzó. Permanecía en las cartas por casi dos años, y primeros tres de Frampton frezado golpeados escoge: “Bebé, amo tu manera” y los diez superiores “te sientes como” y “me demostramos la manera.” Naturalmente, su viaje de soporte era una bomba de superdemolición del multimillion-dólar también. Cuando el polvo colocó, Frampton era una estrella, y la piedra del balanceo lo nombró su artista del año. Frampton viene vivo es no más el álbum vivo tapa-vendedor de toda la hora; que el honor va al sistema vivo del doble del platino de 16 veces de los arroyos de Garth. La categoría del álbum vivo mejor-vendedor de la roca es más discutible. El sistema de la caja del cinco-LP/del triple-CD de Bruce Springsteen vive 1975-1985 se ha certificado para las ventas de 13 millones de unidades, en comparación con seis millones para Frampton viene vivo. Sin embargo, puesto que el RIAA cuenta “unidades” más bien que el número de las copias reales vendidas (es decir, un sistema del doble-disco iguala dos unidades), es más duro determinarse quién lleva a cabo el borde en ventas crudas en un cierto plazo.

Bajo presión de A&M de entregar una carta recordativa rápida, Frampton luchó su juicio mejor y fue de nuevo al estudio, en vez de llevar una rotura el resto y dejó su fregadero pulg. del éxito. El resultado era yo está en ti, que se levantó al punto del número dos en las cartas del álbum pronto después de su lanzamiento en 1977. Su pista del título hizo igual en escoge las cartas, dando a Frampton el golpe más grande de su carrera. Como consecuencia del Frampton viene el fenómeno vivo, él era quizás inevitable que muchos ventiladores me mirarían están en ti como decepción; aunque vendió sobre tres millones de copias, su proceso precipitado de la escritura demostrado a través en puntos. Desafortunadamente, 1978 era un año desastroso para Frampton. Él hizo un alto-perfil el principio temporario que jugaba esquileos del Billy en la versión de la película del grande-presupuesto de la venda Lonely Hearts Club de sargento Pepper's, un enorme fracaso crítico y comercial. En junio, él estuvo implicado en un accidente de coche cercano-fatal en las Bahamas, sosteniendo una conmoción cerebral, huesos rotos múltiples, y un daño del músculo; para hacer materias peores, él y su novia de largo plazo también terminaron su relación. Frampton se recuperó completamente de su accidente, sólo para aguantar una breve diapositiva en abuso de la droga. Su álbum 1979 donde debo estar fue solamente oro, y su golpe más grande era los 20 superiores “yo no puede estarlo parado no más” -- respetable, pero no obstante una bajada alarmante del éxito Frampton acababa de gozar recientemente.

Frampton se parecía cada vez más directionless mientras que amanecieron los años 80. Él cortó su pelo antes del lanzamiento de 1981's que rompía todas las reglas, pero la nueva imagen no podida para enviarla más arriba que los alcances más bajos de los 50 superiores. El arte del año siguiente del control era un fracaso inequívoco, y Frampton retirado del negocio de la música por varios años. Él volvió en Virgen en 1986 con la premonición, y aunque no era un golpe de la rotura violenta, él consiguió la radio substancial de la roca airplay para el corte “que mentía.” El año siguiente, Frampton jugó en compañero de clase onetime que David Bowie nunca me dejó abajo de álbum y viaje del acompañamiento. Él registró otro álbum nuevo, cuando todos los pedazos cupieron, para Atlántico en 1989, y habían estado planeando una reunión con Steve Marriott no mucho antes de que la muerte trágica de Marriott en un fuego de 1991 casas. El viajar posteriormente comenzado de Frampton otra vez, y cortado un álbum eponymous para la relatividad en 1994 que fue reeditado más adelante por Sony Legacy. El año siguiente, él publicó el álbum vivo nuevamente registrado, Frampton viene II vivo, en el IRS. Durante los últimos años 90, él registró y viajó con la cuenta Wyman y los reyes del ritmo y venda de Ringo Starr Toda-Starr. Primer DVD de Frampton, vivo en Detroit, un concierto nuevamente registrado que también fue publicado en el CD por CMC internacional, fue lanzado en 2000. ~ Steve Huey, toda la guía de la música
)

CARLOS CALVO....CARLIN...ES UNA LUCHA!!!

ACA TE DEJO UNO DE LOS CAPITULOS
DE AMIGOS SON LOS AMIGOS
UN REPASO EN NUESTRA MEMORIA
Y LAS IMAGENES DE ALGUNOS ACTORES REPENDEX!!

Amigos son los Amigos

LA JOVEN GUARDIA

LA JOVEN GUARDIA, NACIONAL A FULL

ACA PODES VERLO A ROQUE NARVAJA EN SUS COMIENZOS

JOHNNY RIVERS...EN BLANCO Y NEGRO

UN CLASICO DEL ROCK Y UN MOMENTO MEMORABLE
Johnny Rivers - Memphis

ELVIS PRESLEY

Fue, es y sera una de las voces privilegiadas en el mundo.
Cada vez que escuchamos alguna de sus temas,
irremediablemente nuestra memoria nos genera
imagenes que una y otra vez repetimos
de situaciones de las que fuimos protagonistas.

Aqui te dejamos un Himno de la Cancion, el recuerdo y las imagenes de
My Way - Elvis Presley

THE BEATLES...LO MAS DE UNA EPOCA GLORIOSA

Beatles - Help!

UNO DE LOS TEMAS REFERENTES DE ESTE GRUPO
SIN DUDAS DESPUES DE ELLOS, NADA IGUAL

ALBERTO OLMEDO....EL NEGRO DEL HUMOR

SENTATE, ACOMODATE Y DISFRUTALO
Esta es una grabacion de uno de los sketch del programa de olmedo, "la oficina"
Cesar bertrand, Javier Portales, y por supuesto el...

ALBERTO OLMEDO

ROSANA FALASCA EN LA BOTICA

ROSANA FALASCA EN UNO DE LOS MOMENTOS INOLVIDABLES
EN LA BOTICA DEL TANGO DEL QUERIDO BERGARA LEUMAN
RECORDEMOS

Grabacion tomada del programa La Botica del Angel, TV Argentina

viernes, 30 de marzo de 2007

MINGUITO....AHORA SI PREPARATE

Polemica en el bar Porcel y Minguito se reencuentran

IMPRESIONANTE RECUERDO

LOS TRES CHIFLADOS: PARTE 2

LO PROMETIDO ES DEUDA LA SEGUNDA Y ULTIMA PARTE

"Tres Bobos Incompetentes" - Los Tres Chiflados - Parte 2

PEPE BIONDI

QUE FENOMENO MIJO!!!
Urgando en nuestro baul, encontramos este espectacular trailer de uno de los episodios mas locos de este personaje de nuestra tele.

Un clásico de la TV de los 60 en Argentina. Con su humor sano y de alta calidad, Pepe Biondi fue ídolo de los de su época y de la nuestra. Un clásico de nuestro humor. Esta es la parte 1 de un sketch del programa Viendo a Biondi.

LOS TRES CHIFLADOS

TE PERDISTE ALGUN CAPÍTULO?
Preparate porque aca en el Baul de la Memoria vamos a dejarte
capitulos completos, aqui, la primera parte de uno de ellos.

"Tres Bobos Incompetentes" - Los Tres Chiflados - Parte 1

LEO DAN...EL MANOCHANTA

SU TEMA SOLTERITO Y SIN APUROS
FUE CANTADO POR MILES
ACA UNO DE SUS TEMAS DE AQUELLA EPOCA

LEO DAN: Como te extraño mi amor

ARETHA FRANKLIN...NAAAHHHH!!!

AUNQUE NO LO CREAS Y TU CABEZA SE PARTA EN MIL PEDAZOS
LA NEGRA, LA VOZ, LA QUE TE HIZO BAILAR Y LA QUE AUN HOY
TE SIGUE RECORDANDO QUE ALGUNA VEZ TODO FUE MUCHO MEJOR

TOMATE ALGO Y FUMATE TODO

Aretha Franklin - Save a little prayer

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( Principios e influencias gospel en Cheker (1956-1960)
Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Baptista de Detroit, la cual estaba regentada por su padre C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan sólo 14 años hizo su primera grabación para el sello Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel, con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia.

Etapa en Columbia y Harmony (1961-1966)
Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla pero finalmente firmó con el sello Columbia, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época consiguió éxitos menores de los que destacan Operation heartbreak, Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody, Lee Cross y Soulville. Tras su marcha de Columbia editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde salió Once in a lifetime bajo el sello Harmony.

Revolución del soul (1967-1969)
Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single en grabar dentro de Atlantic fue I never loved a man the way I love you, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como uno de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: "Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con los The Muscle Shoals, unos chicos blancos de Alabama". El single irrumpió en todas las radios, pero aún los haría con mucha más fuerza Respect -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic en Nueva York el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema When something is wrong with my baby de Sam & Dave.

El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles Drown in my own tears o las canciones de Sam Cooke Good times y A change is gonna come. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora con los temas Don't Let Me Lose This Dream, Baby, Baby, Baby, Save Me y Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business). Ese mismo año consiguió dos Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto) editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor.

En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía hits de la música soul como Chain of fools, A natural woman o Ain't no way. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema Good to me as I am to you, temas de Ray Charles Come back baby, James Brown Money won't change you y el clásico de Curtis Mayfield People get ready. En el álbum colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con Think y el popular tema de Burt Bacharach I say a little prayer, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles River's invitation y Bring it on home to me.

Evolución hacia nuevos tiempos (1970-1979)
A finales de la década de los '60 y principios de los '70, Aretha empezó a hacer versiones de temas rock, pop y soul que ya habían sido grandes éxitos; entre ellos temas de The Beatles como "Let it be" o "Eleanor Rigby", Simon & Garfunkel como su versión tan famosa como la original de "Bridge over troubled water"; o artistas soul como Sam Cooke o The Drifters. A principios de los '70 el éxito de Aretha continuaba sin decaer, siendo ya una artistas totalmente consagrada dentro del panorama musical internacional. En 1970 editó dos álbumes. El primero fue "This Girl's in Love With You", era un álbum cargado de versiones: "Share Your Love With Me" de [[Bobby Blue Band], el ya múltiplemente versionado "Son of A Preacher Man", los éxitos de The Beatles "Let it be" y "Eleanor Rigby", el tema interpretado por Rotary Connection o The Staple Singers "The weight", "Dark end of the street" de James Carr... Pero en este álbum uno de los mayores hits extraído es "Call me", escrita por la propia Aretha. El título del álbum era un remake del tema de Herb Alpert "This Guy's in Love With You". Ese mismo año (1970) editó también "Spirit in the dark", en el que vueleve a hacer versiones de B.B. King, Jimmy Reed y Dr. John. En este álbum contó con una instrumentación de lujo por parte de The Muscle Shoals, The Dixie Flyers y el guitarrista Duane Allman. Los dos singles extraídos del álbum fueron "Don't play that song" y el tema escrito por Aretha que daba nombre al álbum. En 1971 salió al mercado la grabación de una actuación en vivo "Aretha Live at Fillmore West", donde cantaba sus grandes éxitos, a la vez de versiones de Stephen Stills "Love the One You're With" y Bread "Make It With You". En este álbum aparecen el saxofonista King Curtis, y una versión de "Spirit in the dark" junto a Ray Charles. Hasta este momento Aretha seguía haciendo su soul sesentero, tan sólo con algunas variaciones como la inclusión de versiones de temas rock, pero en 1971 con "Young, gifted and black" su sonido empezó a adecuarse a los '70, con un sonido que precedía a la música disco y la inclusión de nuevos ritmos, a la vez de una nueva imagen. Tres de los mayores éxitos de este álbum están escritos por Aretha: "Day dreaming", "Rock steady" y "All the king's horses". Incluyó de nuevo versiones, como "The long and winding road" de The Beatles y "I've been loving you too long" de Otis Redding. En 1972 llegó el primer álbum totalmente gospel de su carrera, estaba grabado en directo junto a The Southern California Community Choir y James Cleveland. De este disco son famosas su versiones gospel de "You've got a friend", "Wholy Holy" de Marvin Gaye, "How I got Over" de Clara Ward o la tradicional "Precious memories". Un año después, en 1973 llegó "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)", el último álbum de Aretha antes de sucumbir casi totalmente a la música disco. A parte de hits como "Angel" (compuesta por Carolyn Franklin), "Somewhere" (del compositor y pianista Leonard Bernstein) o "Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes)" (escrita por Aretha y Bernice Hart), uno d elos mayores impactos que produjo el álbum fue por su original y extraña portada. "Let Me in Your Life" en 1974, mostraba una nueva imagen de Aretha, con una portada en la que ya aparecía como una "diva" abrigada con un abrigo de piel. Seguía sonando a soul, pero su inclusión en la música disco es cada vez mayor. De este álbum salieron dos hits: "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" interpretada anteriormente por Stevie Wonder y "I'm in love", escrita por Bobby Womack y convertida en éxito en 1968 por Wilson Pickett. Ese mismo año editó "With Everything I Feel in Me", donde de cierta forma empezó el declibe de la artista; saliendo airosos tan sólo dos modestos temas "Without love" y la canción escrita por Aretha que da título al disco. Con "You" en 1975 llegó la caída momentánea, era un álbum en el que el esplendor vocal continuaba, pero la producción y composición no tenían nada que ver con lo anteriormente hecho, y de ahí que sólo se escuchara por muy poco tiempo el primer single, "It Only Happens (When I Look At You)". Pero tras un año de trabajo, Aretha se cruzó en el camino de Curtis Mayfield, y junto a él creó la banda sonora de la película "Sparkle", con lo que la cantante recuperaba en cierta forma su estatus musical. El single "Sparkle" fue un genial hit, "Giving Him Something He Can Feel" se convertía en un himno, y "Jumpt to it" rompía en las pistas de baile. Parte del éxito del disco fue por las letras creadas por Mayfield, además de una buena producción y los coros de Kitty Haywood Singers. En el año 1977 lanzó dos álbumes, que tuvieron un modesto éxito, siendo bastante fugaces: "Satisfaction" y "Sweet passion" (de este último destaca el single "Break It to Me Gently"). En esta época de escasos éxitos para la cantante, en 1978 se juntó de nuevo con Curtis Mayfield, quien escribió "I needed baby" dentro del álbum "Almighty Fire". Aretha cerró la década con un álbum que llevaba por nombre aquello que en cierta manera le había hecho caer "La diva" (1979), en el cual se incluían temas escritos por la propia Aretha como "Ladies Only", "Only star", "I was made for you" o "Honey I need your love", de los que ninguno consiguió éxito. Este declibe musical se debía sobre todo a la producción de sus álbumes, a la mala promoción y al poco empeño por parte de Atlantic en la carrera de Aretha; por lo que en 1979 decidió abandonar la compañía para firmar con Arista y el productor Clive Davis.

El nuevo sonido soul (1980-1997)
El 25 de octubre de 1980 comienza una nueva etapa para Aretha Franklin, ese día se lanza su primer álbum en Arista "Aretha". El álbum fue producido por Clive Davis y Chuck Jackson, y la promoción fue muy amplia, ya que ella era la primera artista importante que esta discográfica llevaba. Hay versiones al igual que hizo años antes, pero esta vez con un sonido bastante más pop, y totalmente acorde con los '80, entre estas versiones están "What a Fool Believes" de The Doobie Brothers y "I Can't Turn You Loose" Otis Redding. El mayor hit extraído del disco fue el tema "United together". En 1981 llegó "Love All the Hurt Away", que se abría paso en el mercado con el single que da título al disco, un dueto entre Aretha y George Benson. Con este álbum Aretha volvía a los primeros puestos del panorama musical con un nuevo sonido que mezclaba el soul, rock, urban y quiet storm. Del álbum entraron en las listas de ventas dos temas más a parte del primer single: "It's my turn" y "Hold on! I'm comin'!", gracias al cual consiguió un Grammy. Pero en 1982 con el disco "Jump to it" llegó de nuevo el gran éxito. Con el tema "Jump to it" consiguió su primer número uno en más de media década. "Love me right" fue otro de los temas que salieron del álbum, consiguiendo también una buena aceptación. En este disco habían trabajado en la composición Luther Vandross, The Isley Brothers, Smokey Robinson y la propia Aretha, además todos ellos bajo la producción de Clive Davis, hizo que este fuera el mayor éxito de Aretha tras mucho tiempo en la sombra. Debido al éxito del álbum anterior en "Get it right" (1983) Luther Vandross creó la mayoría del material para el disco. "Every girl" y "Get it right", ambos temas escritos por Vandross gozaron de gran audiencia, al igual que en menor medida, la versión del tema de The Temptations "I Wish It Would Rain". En 1984 la discográfica Chess, con la que Aretha había empezado a trabajar en el gospel, editó un álbum grabado junto a su padre, Clarence LeVaughn Franklin, en vivo durante una sesión gospel. Llevaba por título "Never Grow Old". En 1985 aretha vino con un álbum mucho más pop, "Who's Zoomin' Who?". Puesto que la carrera de [[Luther Vandross por este tiempo tomaba sus propias riendas como solista, el trabajo de composición que realizó en los dos últimos álbumes, en este lo hacía Narada Michael Walden. Este álbum fue hasta el momento el más laureado de Aretha en la compañía. Contiene algunos de los hits más fuertes de la década, como el reivindicativo "Sisters are doin' it for themselves" junto a Eurythmics. Otros tres singles tuvieron gran impacto en el público: "Freeway of love", "Another night" y "Who's zommin' who?". Por el tema "Freeway of love consiguió ganar dos Grammy. En 1986 se editó otro álbum titulado "Aretha", pero ésta vez con un ambiente mucho más rockero, visible además en su aspecto. Cosechó dos grandes hits con este disco: la canción "Jumpin' Jack Flash" producida por Keith Richards y perteneciente a la banda sonora del mismo nombre; y el dúo junto a George Michael "I Knew You Were Waiting (For Me)". Otros temas con bastante menos repercusión fueron "Jimmy Lee" y el dúo junto a Larry Graham "If You Need My Love Tonight". Quince años después de la grabación de "Amazing grace", en 1987 lanzó "One Lord, One Faith, One Baptism", el segundo álbum íntegramente gospel de su carrera. En él colaboran Erma Franklin, Carolyn Franklin, Mavis Staples, C.L. Franklin, Joe Ligon, Jesse Jackson y Jasper Williams. Tras dos años de descanso, en 1989 editó "Through the storm", un álbum en el que se incluían duetos con grandes estrellas del momento: "Through the storm" con Elton John, "It isn't, it wasn't, it ain't never gonna be" con Whitney Houston, "Gimme your love" junto a James Brown y "If ever a love there was" en compañía de The Four Tops y Kenny G. El trabajo y la presencia en los escenarios de Aretha ya empezaba a ser menos constante, y sus álbumes no eran tan frecuentes como antes. En 1991 lanzó "What you see is what you sweat", del que salieron tres singles con alguna repercusión: "Everyday people", "Someone else's eyes" y "Every changing times" con Michael McDonald. En el álbum se incluye también la versión de "I dreamed a dream" que cantaría ante Bill Clinton. Contenía también un tema junto a Luther Vandross "Doctor's orders". Tras este álbum Aretha tardaría más de siete años en editar un álbum con temas nuevos, pero su paseo por los escenarios nunca cesó.

Bill Haley & The Comets - ROCK DEL BUENO

Ahora si Carton Lleno, si con esto no se te mueven los pies....
Este tema fue cortina de la pelicula "Semilla de Maldad" en la decada del 50/60
un temazo que hizo bailar a todas las generaciones

DISFRUTALO Y SI PODES VOLVELO A BAILAR

Bill Haley & The Comets - Rock Around the Clock

Chubby Checker...CORRE LOS MUEBLES

CORRE LA MESA, LLAMA A TUS VIEJOS, A TU HERMANA,
SALI A LA CALLE, CORTALA Y QUE COMIENCE LA FIESTA

AÑO 1961 UNA VERDERA PERLA DEL BAUL

Chubby Checker - The Twist

CLAUDIO BAGLIONI...PARA ENAMORADOS

CUANTOS RECUERDOS TE TRAE ESTE TEMA
SABADO POR LA TARDE
MIRALO!!!!

PAUL ANKA: QUE SE APAGUEN LAS LUCES

ESTAS TENIENDO A MI HIJO
SI HABRAS APRETADO CON ESTE TEMA....

Claude François. TE ACORDAS?

UN TEMA DE LA DECADA DE LOS 70
EL TELEFONO LLORA
ALGUNA VEZ LO VISTE?...MIRALO

NINO BRAVO: INFALTABLE

COMO NO RECORDARLO
EL TEMA: NOELIA

Nació en un pequeño pueblo valenciano, Aielo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años; su primer trabajo fue en una joyería, más tarde cumplió el servicio militar en la Marina, en Cartagena. A su regreso se empleó en una oficina, alternando el trabajo con su afición a cantar, lo que le llevó a juntarse con varios amigos formando conjuntos musicales en varios locales, tomando parte en los diversos festejos falleros de la barriada y cantando melodías en los típicos bailes y verbenas. Con el grupo "Los Hispánicos", Luis Manuel Ferri gana un concurso llamado "Fiesta de España", pero se dan cuenta de que con un par de guitarras no van a ninguna parte.
CONOCE SU BIOGRAFIA COMPLETA

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Este grupo acabó disolviéndose. Coincidiendo que era vecino y amigo de Vicente López, contrabajo de Los Súperson, y aprovechando éstos la baja temporal por accidente de tráfico de su cantante Carlos Lardíes, fue invitado a integrarse en el grupo. En vista de la potencia y calidad de Luis Manuel, la baja del anterior cantante ya no fue temporal sino definitiva.

Queda entonces, el quinteto "Los Superson", formado por Vicente López, bajista; Saturnino Naredo, guitarra rítmica; Josep Bosch, guitarra solista; Salvador Pelejero como batería, y Luis Manuel Ferri como cantante. (Después de unos años, coincidiendo con un contrato permanente en la discoteca Las Vegas de Benidorm, Saturnino Naredo y Josep Bosch abandonan el grupo siendo sustituidos por los hermanos Pepe y Vicente Juezas, guitarra y teclista respectivamente).

Más tarde conoce a su primer representante, Miguel Siurán, su descubridor y quién le puso el nombre artístico (Nino Bravo) con el que alcanzaría la fama.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 5 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.

Pero en el verano de 1970, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por una tal Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.

El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. En noviembre de este mismo año viaja al Festival de Río de Janeiro, donde representa a España, compitiendo con las mejores voces de aquel momento. Quedó en segundo lugar y muy desencantado. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas.

En enero de 1972 nace su primera hija a la que bautizaron con el mismo nombre que su madre: María Amparo. Su segunda hija no llegó a conocerlo.

Durante 1972 realizó varias giras por España; el 14 de marzo de 1973, en plena fiesta de Fallas, Nino cantó en Valencia por última vez antes del accidente que terminaría con su vida un mes más tarde.

El 16 de abril de 1973, Nino Bravo acompañado del dúo Humo y Pepe Juezas sufrió un accidente de carretera fatal cuando viajaba de Valencia a Madrid por motivos profesionales en el término de Villarrubio, en la comarca de Tarancón. Tenía 28 años.

A partir de la aparición de Internet, sus admiradores han realizado diversas propuestas a través de páginas como http://www.ninobravo.net, tales como la organización del Primer Encuentro de Fans, Amigos y Familiares de Nino Bravo, o el apoyo a la creación del Museo Nino Bravo en Aielo de Malferit, su localidad natal.

Discografía
1970 Te Quiero, Te Quiero
1971 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
1971 Nino Bravo (Rebautizado en 1995 como "Puerta De Amor")
1972 Un Beso y una flor
1972 Mi Tierra
1973 ... Y Vol. 5 (Rebautizado en 1995 como "América, América")
1973 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
1973 Nino Bravo (Edición Especial DiscoLibro)
1973 Los Artistas Españoles A Nino Bravo (Concierto-Homenaje)
1974 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
1974 Nino Bravo (Recopilación Círculo de Lectores)
1975 Lo Mejor de Nino Bravo
1976 Nino Bravo (Super 20)
1980 La Voz De Nino Bravo (Con nuevos arreglos de Luis Cobos)
1981 El Ayer de Nino Bravo
1981 Tus Canciones Favoritas "Quién Eres Tú" (Incluye tema inédito)
1983 Los Grandes Éxitos de Nino Bravo, Vol. 6
1985 Érase Una Vez... Nino Bravo
1988 Nino Bravo (Reedición de "Érase Una Vez...")
1990 30 Grandes Éxitos Originales
1992 Nino Bravo (Recopilación Planeta Agostini)
1995 50 Aniversario (Duetos con artistas nacionales)
1995 Aniversario 1945-1995 (Digitalización de "La Voz De Nino Bravo")
1997 Duetos 2
2002 Esta Será Mi Casa Y Otros Grandes Éxitos
2002 Homenaje A Nino Bravo (Triple CD Conmemorativo MovieMusic)
2003 Sus Tres Primeros Lp's (Edición de Rama Lama Music)
2003 Todo Nino, La Obra Completa De Nino Bravo
2004 Colección Universal.es (Reúne sus 3 últimos discos)
2005 Éxitos (Edición de Nhoa Music)
2005 N1NO, Todos Los Números 1 De Nino Bravo (Recopilación con canción inédita "Sin darte cuenta", remixes y DVD con videoclips y presentaciones televisivas )
2005 Éxitos, Vol. 2 (Edición de Nhoa Music)
2006 N1NO, Todos Los Números 1 de Nino Bravo (Reedición sin DVD

Las canciones que grabó (ordenadas alfabéticamente)
Desde mediados de 1969 hasta abril de 1973, Nino Bravo grabó 60 canciones que se han convertido en clásicos románticos por excelencia. Dos de aquellos temas aparecieron póstumamente dos años después de su muerte: "Te amaré" y "Quién eres tú". En 2005 salió a la luz otra canción inédita, "Sin darte cuenta", que los fans más acérrimos conocían como una maqueta a piano. El listado alfabético de todas las canciones que llegó a grabar es el siguiente:

Amanecer / América, América / Arena de otoño / Aquel amor / Aquel atardecer / Cantaré / Carolina / Cartas amarillas / Como todos / Contigo soy feliz / El adiós / El amor / Elizabeth / El tren se va / En libertad / Eres todo cuanto quiero / Esa será mi casa / Ese hombre / Es el viento / Flor de invernadero / Gracias a ti / Hoy soy feliz / Hoy te quiero ofrecer / La niña es ya mujer / Laura / Libre / Mi gran amor / Mi mundo está vacío / Mi querida mama / Mis noches sin ti / Mi tierra / Mona Lisa / Ni el viento ni el tiempo / No debo pensar en ti / Noelia / Nuestro hogar será el mundo / Para darte mi corazón / Para qué seguir / Perdona / Pintaré tu color / Por culpa tuya / Por fin mañana / Por fin mi amor / Por qué / Puerta de amor / Quién eres tú / Señora, señora / Sin darte cuenta / Te acuerdas, María / Te amaré / Te quiero, te quiero / Tú cambiarás / Un beso y una flor / Vete / Vivir / Volver a empezar / Voy buscando / Vuelve / Vuelvo a estar sin ti / Yo no sé por qué esta melodía / Yo te quiero dar mucho

KOOL AND THE GANG

INOLVIDABLE Y VIGENTE
Cuantas veces entraste a ese lugar y escuchando este tema la viste, o lo viste
que y a quien te recuerda?

ESCUCHALO Y VOLVE A EMPEZAR

EL TEMA: Cherish

JULIO SOSA: UNA PERLITA

AQUI EL AUDIO ORIGINAL DE UNA

ENTREVISTA REALIZADA AL VARON DEL TANGO

George McCrae: TE QUERES MATAR!!!

ESCUCHA A UNA DE LAS VOCES MAS INCREIBLES DEL POP

ENTRE NOSOTROS...
NUNCA LO BAILASTES?...VAMOSSS!!!

Diana Ross & Supremes - AGARRATE QUE NOS VAMOS

PARA AGUDIZAR NUESTRA MEMORIA MUSICAL
IMPERDIBLE

Diana Ross & Supremes - Stop In The Name Of Love

Jeff Beck Group & Rod Stewart: VAMOOOSSS!!!

PARA MI AMIGO CARLOS DE SAILING...
AÑO 1968

QUERES SABER MAS?...SEGUI LEYENDO

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Géneros Roca de los azul
Roca dura
Metal pesado
Años activos 1967 - 1970
1971 - 1972
Cuba de tintura de Jeff
Rod Stewart
Madera de Ron
Micky Waller
Nicky Hopkins
Newman Tony
Tencas de Bob
Middleton máximo
Chaman de Clive
Powell acogedor
El grupo de la cuba de tintura de Jeff era una venda de la roca formada en febrero de 1967. Su acercamiento único e innovador a los azul pesado-que sonaban era una influencia importante en música popular en los últimos años 60 y los años 70 tempranos.

La venda original consistió en la cuba de tintura de Jeff en la guitarra, Rod Stewart en vocals, la madera de Ron en bajo y Aynsley Dunbar en los tambores. Dunbar fue substituido rápidamente por Micky Waller. El keyboardist de la sesión/el organist bien conocidos Nicky Hopkins ensambló la venda en 1968. Esta formación (con la cuba de tintura, Stewart, madera, y Hopkins en la base) produciría solamente dos álbumes (en el segundo, Micky Waller fue substituido por el redoblante Newman Tony).

Después de que el grupo disuelto, Rod Stewart y la madera de Ron se encendieran ensamblar las caras pequeñas, que estaban a punto de romperse para arriba debido a la pérdida de Steve Marriott. Debido a una estatura más grande de Rod y de Ron que los del resto de la venda, fueron retituladas las caras. Mientras tanto, cuba de tintura de Jeff prevista para ensamblar la sección del ritmo del dulce de azúcar de la vainilla, Tim Bogert y el carmín Appice, pero sufrida una lesión en la cabeza en una ruina del coche. Bogert y Appice se encenderían formar el cacto mientras que la cuba de tintura se recuperó. Después de recuperar de sus lesiones, la cuba de tintura reformó el grupo con vocalist, las tencas de Bob, el keyboardist, Middleton máximo, el redoblante, Powell acogedor y el bassist, Chaman de Clive. La venda se encendería lanzar dos más álbumes antes de disolver.

después de disolver
Después de romperse para arriba, la cuba de tintura de Jeff se encendió ensamblar a Tim Bogert y carmín Appice, formando la cuba de tintura de la venda, Bogert y Appice. Lanzaron un álbum del estudio que la hizo a #12 en la cartelera en 1972 y un álbum vivo. Mientras que el planear lanzar un segundo álbum, cuba de tintura salió del grupo para juntarse con Middleton máximo. Él lanzó sobre todo álbumes instrumentales de la fusión y comenzó eventual techno de la grabación.

Rod Stewart y la madera de Ron tenían éxito moderado con las caras, antes de que el carril de Ronnie fuera substituido por bassist japonés, Tetsu Yamauchi. Porque Tetsu no podía conseguir un permiso de trabajo en el Reino Unido, la venda decidía a romperse para arriba. La madera y Stewart ambas comenzarían carreras a solas antes de que la madera substituyera a Mick Taylor en las piedras del balanceo.

Powell acogedor se encendió ensamblar el arco iris y varios actos temporales antes de ensamblar Sabbath negro.

ARMANDO MANZANERO: AÑO 1967

VOS HABIAS NACIDO?

UN TEMAZO DEL MAS GRANDE COMPOSITOR ROMANTICO

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Biografía
A los 8 años inició estudios de música en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, completando su formación musical en la Ciudad de México. En 1950 compone su primera melodía titulada "Nunca en el mundo" y al año siguiente inicia su actividad profesional como pianista y seis años más tarde comienza a trabajar como director musical de la casa filial mexicana de la disquera CBS Internacional. Poco después se convierte en el pianista acompañante de artistas tales como Pedro Vargas, Lucho Gatica y Raphael.

En 1962 obtiene el quinto lugar en el Festival de la Canción en México. En 1965 gana el primer lugar del Festival de la Canción en Miami con el tema Cuando estoy contigo. En 1967, animado por un ejecutivo de la filial mexicana del sello RCA Víctor, graba su primer disco con canciones propias donde destaca el romanticismo que lo caracterizará más adelante. En 1970 su canción Somos novios es traducida al inglés ( Nota de Wilbert Alonzo Cabrera : Somos Novios la tradujo al inglés el afamado compositor de Elvis Presley Mr Sid Wayne quien Alonzo Cabrera le presentó al compositor a Manzanero; en las oficinas de la RCA Victor de Nueva York en donde ese mismo día Manzanero recibe un cheque anticipo de sus regalias por más de 200 mil dólares).

Y Manzanero llego a decir que incluso la letra de "Its Impossible" es más exquisita que la version al español e interpretada por Perry Como, logrando ser nominada para un Grammy. Sin embargo en una corte de los estados Unidos Manzanero pierde un juicio, en donde se le acuso de plagio por Its Imposible y tuvo que devolver, todo el dinero que había ganado con esa canción que realmente tenía más de 20 años que la había compuesto, pero de nada valió ante la Corte de Justicia la comprobación del mexicano y perdió el juicio debido al favoritismo que recibió, el demandante, quien realmente, él fue el que si plagio la canción de Armando Manzanero Canche "Somos Novios" en la version al ingles... escribió esta aclaración Wilbert Alonzo Cabrera, fundador y ex Vice-Presidente de la Asociación de Cronistas de Espectáculos ( ACE ) de Nueva York el 9 Sep 2006.

En 1978 obtiene el primer lugar del Festival de Mallorca en España con el tema Señor amor. En 1982, la canción Corazón amigo se lleva los honores en el Festival Yamaha. En 1993 la revista Billboard le otorgó el Premio a la Excelencia por su trayectoria artística.

Sus canciones han sido interpretadas por personajes de talla internacional como Frank Sinatra, Tony Bennet, Elvis Presley, Frank Pourcel, Paul Muriat, Ray Conniff, Marco Antonio Muñiz, Edith Márquez, Raphael, José José, El Tri, Andrea Bocelli, Cristina Aguilera y Luis Miguel.

Armando Manzanero ha escrito más de 400 canciones, de las cuales más de 50 han obtenido fama internacional. Ha participado en numerosos programas de radio y televisión; ha grabado más de 30 discos y musicalizado numerosas películas.

Entre sus canciones más populares están Voy a apagar la luz, Contigo aprendí, Adoro, Esta tarde vi llover, Por debajo de la mesa, Somos novios y Felicidad.

CREEDENCE POR PARTIDA DOBLE

ESPERAR EL SABADO PARA BAILARLO HASTA EL CANSANCIO

"Johnny Cash Show" - September 27 1969
IMPRESIONANTE BANDA, DOS TEMAZOS

EL CLUB DEL CLAN...VIEJISIMO!!!

¿Se acuerdan del Club del Clan?

El 12 de marzo de 1964 se estrenaba en los cines “El club del clan”; su aniversario es una buena excusa para recorrer la historia del programa que hizo bailar a toda una generación

MIRA ESTE VIDEO, NO LO VAS A PODER CREER

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Año 1962. Suele decirse que, en aquella época, los chicos eran más ingenuos, existían los ideales, había más inocencia. La televisión también era distinta y reflejaba ese espíritu: Pepe Biondi, Carlos Balá y José Marrone tenían millones de seguidores.

"El club del clan", idea de un directivo de la RCA Víctor Argentina llamado Ricardo Mejía, salió al aire por canal 13 en noviembre de 1962. Basado en programas musicales extranjeros, cada emisión mostraba a un grupo de amigos que se reunía para cantar, charlar y divertirse. Los sábados a las 20.30, antes de ir a bailar, era común que los chicos se apostaran frente al televisor para imitar las coreografías y cantar junto a sus nuevos ídolos. Por primera vez, en castellano.

Antecedentes. En 1961, Ricardo Mejía había producido "La cantina de la Guardia Nueva", por canal 11. Conducido por Dino Ramos, los artistas recreaban un restaurante donde tenían lugar los sketches cómicos. Algunos integrantes del clan salieron de la Guardia Nueva. Otros ciclos que anticiparon el boom del clan fueron: "Ritmo y juventud" (canal 11), "Swing, juventud y fantasía" (Canal 7) y "La ola intermedia" (canal 13).

Rating. El fenómeno del programa atravesó las fronteras. Muchos países de América latina tuvieron sus versiones del Club. En 1963, el programa se convirtió en la Argentina en el segundo en audiencia, luego de "Viendo a Biondi", con 55.3 puntos.

Los personajes. Cada artista tenía un look definido y, en general, tomaba como modelo a una figura musical de la época. "El club del clan" logró la proyección de muchos de los jóvenes de su elenco, ignotos hasta entonces. Actualmente, algunos de ellos continúan en la industria de la música. Otros tuvieron un estrellato fugaz. Entre los más destacados, estaban:

Violeta Rivas: de formación musical, su voz no tardó en imponerse como la favorita del público. Cantaba temas traducidos al castellano de Mina y Rita Pavone.

Palito Ortega: Mejía le dijo un día "Usted no se ríe más" y así fue. Dejó su antiguo apodo "Nery Nelson" y se incorporó al programa como "el muchacho triste" del grupo. A pesar de esto, se convirtió en la figura indiscutida con temas (para nada melancólicos) como "Camelia", "Despeinada" y "Media novia".

Chico Novarro: daba el toque tropical. Se destacaba como compositor de boleros y temas pegadizos como "El camaleón" y "El orangután".

Johny Tedesco: versión criolla de Elvis, de quien tomó su repertorio. Impuso una moda con los pulloveres llamativos que usaba en cada programa (algunos tejidos por sus mismas admiradoras).

Lalo Fransen: catalogado como el playboy del grupo, cantaba canciones de amor. Su imagen era la de un muchacho de clase alta.

Raúl Lavié: antes de entrar en el programa, cantaba tangos con la orquesta de Héctor Varela. Sus temas eran melódicos.

Jolly Land: rubia, extrovertida, conquistó a Ricardo Mejía, con quien se casó y tuvo dos hijos. Algunos atribuyen a esta relación la excesiva promoción que se le dio dentro del programa.

Nicky Jones: de aspecto japonés, se vestía con camisas hawaianas y guirnaldas de flores en el cuello. Sus canciones eran humorísticas.

Raúl Cobian ("Tanguito"), Rocky Pontoni, Perico Gómez, Galo Cardenas, Cachita Galán, Horacio Molina, Pino Valente y Dolores de Cicco completaban el elenco.

El periplo. En 1964, canal 9 les ofrece pagarles diez veces más a los principales integrantes. Palito Ortega, Chico Novarro, Violeta Rivas, entre otros, se pasan a "Sábados continuados", conducido por Antonio Carrizo.

Ese mismo año el programa pasó al canal 7 como "Idolos de la juventud". En 1968, también con Carrizo como presentador, los ex club del clan participan de "Bienvenido sábado".

Mientras tanto, Ricardo Mejía continuó en el 13 con nuevos cantantes. Fernando de Soria, Gino Renni, Anita Martínez y Rolo Puente estaban entre los contratados para esta segunda etapa.

Año 1964. A modo de despedida, el 12 de marzo de 1964 se estrenó la película "El club del clan". Dirigida por Enrique Carreras, cuenta las aventuras de "los club del clan", que tienen que hacerse pasar por criados de la casa de uno de ellos para evitar que el padre se entere de un casamiento secreto.

Los tiempos cambiaban. En la Argentina ya habían desembarcado Los Beatles, una ola imparable que arrasó con todo lo anterior.

LEONARDO FAVIO

O QUIZAS SIMPLEMENTE...
Aqui esta otro inolvidable tema por el gran Leonardo Favio para todos aquellos que alguna vez fueron sus fans y que fielmente lo siguen siendo. Aqui esta: Quizas simplemente le regale una rosa por Leonardo Favio.

SILVER CONVENTION

AQUI UNA DE LAS BANDAS QUE LA ROMPIO EN LA DECADA DEL 70
Todos los boliches explotaban con este tema
Silver Convention "Fly Robin, Fly"
IMPERDIBLE

CONOCE MAS DEL GRUPO AQUI...
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Este grupo del estudio fue creado por los productores Munich-basados Silvester Levay y Michael Kunze. Después de anotar un golpe de Reino Unido en 1975 con “excepto mí”, se encendieron alcanzar el número 1 en los E.E.U.U. con la “mosca, Robin, mosca”. La fama internacional persuadió el dúo audition a algunos cantantes femeninos para adoptar el nombre de plata de la convención y el trío afortunado era Linda Thompson (cantantes exes-Les de Humphries), Ramona Wulf (antes artista a solas) y penique McLean. Esta convención de plata de la “segunda generación”
probó que más que un fósforo para tus contrapartes anónimas del estudio y éxito transatlántico alcanzado de la tapa 10 con el infeccioso “levantarte y Boogie (que correcto)”, uno de los números más distintivos del disco del período. Una línea-upchange significativa siguió con la salida de Thompson, substituida por Rhonda Heath. Golpes más futuros del menor de edad siguieron hasta que el grupo disolvió reservado en el último 70s.

El dúo alemán Michael Kunze y Silvester Levay lanzó “excepto mí” en 1974 en la etiqueta del imán, como un promo de DJ como “pájaro de plata”. El solo era un éxito temprano del disco en el Reino Unido y la pista fue lanzada comercialmente como por la “convención de plata”. Agregaron a tres muchachas alemanas para terminar la formación. Otros solos lanzamientos en los E.E.U.U. extremadamente bien, las obras clásicas del disco “vuelan, Robin, la mosca” y “se levanta y el boogie” conbined golpes infecciosos del disco con los violines girantes. Escoge más adelante ido menos bien, pero es justo como de mérito, como bebé de la prisa” y “del tigre” de “San Francisco. Pero otros lanzamientos son apenas queso pegajoso downright, como “te agradecen Sr. DJ” y el “bailar en los pasillos”. Ser tan selectivo…

Otras cubiertas del LP:

RAPAHEL: VOS COMO ERAS, CUANDO EL, ERA AQUEL?

(Rafael Martos Sánchez, Linares, 1943) Cantante español. Saltó a la popularidad al ganar el festival de Benidorm de 1962 y participó en el de Eurovisión (1966, 1967). Es uno de los cantantes de música ligera españoles con mayor proyección internacional (sobre todo en Hispanoamérica) y su repertorio consta de canciones melódicas y sentimentales. Entre sus álbumes cabe citar En carne viva (1981), Ave fénix (1992), Querido Raphael (1993), Desde el fondo de mi alma (1995) y Madre tierra (1997). En 1998 presentó un libro de memorias titulado ¿Y mañana qué?.

AQUI TE DEJAMOS VER SU PRIMERA ACTUACION,
LA HIZO EN EUROVISON EN 1966

EL TEMA PARA ESCUCHAR Y VER..."YO SOY AQUEL"

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En 1962, Raphael se alzo con el triunfo en el Festival De Benidorm; pero este galardón lo logro después de su aprendizaje en centros nocturnos, donde adquirió la suficiente experiencia para una carrera que ya llega a mas de cuarenta años.
Según declaraciones del cantante, que nació en Linares, una pequeña ciudad del sur de España el 5 de mayo de 1943, estará en el negocio del canto por mucho tiempo más y muestra de eso es que cuando realiza sus presentaciones en Madrid o en otra ciudad del mundo, el público lo recibe como en sus mejores momentos. Y si como en sus mejore momentos, porque definitivamente ya no es el mismo que una vez vimos cantando “Yo Soy Aquel”. Su experiencia es mucho mayor; pero su voz no es igual y suena a cansada.
La voz de Raphael siempre fue el centro de su personalidad, pues va de tenor a barítono dentro de la canción popular y moderna y fue bien recibido en su país porque en una época que la mayoría de los cantantes eran imitaciones de los ingleses o norteamericanos, el creo un personaje basado en su raíz flamenca y con tonalidades de los cantantes franceses, donde la expresión del cuerpo forma parte de la música. Esa independencia de lo extranjero hizo que fuese respetado desde su primera aparición. Definitivamente Raphael es Raphael y no hay otro igual.
Después del triunfo en el festival, su carrera fue ascendente; pero ha tenido dos etapas, una del 1962 hasta 1966 y la otra de 1966 hasta 1968.
Su primera etapa, donde la unión musical con el compositor Manuel Alejandro, le dio ventas increíbles con temas que lo fueron consagrando con esas letras amorosas de sus inicios. Entonces aparece “El Tamborilero”, un tema grabado en época de navidad, lo que definitivamente le da un giro de 180 grados a su carrera y su aparición en el Festival De Eurovisión en 1966 con “Yo Soy Aquel” y al siguiente año con “Digan Lo Que Digan”, que comienza su carrera totalmente ascendente e imparable y pasa definitivamente a ser conocido en el resto de los países.
Después de tocar el cielo tantas veces, en 1969, comienza la comercialización de su trayectoria y aquí aparecen discos con canciones del acervo latinoamericano, tal vez tratando de extender su fama por ese continente, cosa que no necesitaba, pues esto ya lo había logrado con temas espectaculares. De aquí en adelante el intérprete pierde su genio, su figura y su estrella da paso a que muchos cantantes se le acerquen competitivamente; pero hay que reconocer que con el paso del tiempo no solo él ha perdido calidad. Definitivamente los ochenta no son los sesenta.
Miguel Rafael Martos Sánchez, ese hombre que conocemos como Raphael, logro realizar una carrera que incluye el cine nos ha dejado muestras de calidad vocal pocas veces escuchadas y su presencia en el escenario es indiscutiblemente mucho mas que excelente

POMADA: LO NUESTRO, BIEN NACIONAL, NAAAAHHH!!!

PRIMERO MIRALO Y DESPUES OPINAS
El Grupo Pomada interpretando el tema "Ojos sin luz"

QUE FLASH MEN!!!

TRAVOLTA: LA PELICULA QUE TODOS BAILAMOS

COMO OLVIDARNOS DE ESTOS PASOS...

Consiguió durante 1978 dos récords: ser la película musical más taquillera de todos los tiempos y convertir su banda sonora en el álbum más vendido de todos los tiempos -hasta la llegada de "Thriller", de Michael Jackson

EL TOPO GIGIO: A LA CA..MI..TA...RECUERDOS DE LA INFANCIA

EL TOPO GIGIO

Uno de los momentos mas lindos de este personaje increible de la Television nuestra
y que cada noche lo esperabamos para ir a la cama.

AQUI UN FRAGMENTO INOLVIDABLE

SABADOS DE LA BONDAD: TE ACORDAS

MIRA ESTE VÍDEO, UNA PERLITA QUE ENCONTRAMOS EN EL BAÚL.
Vas a poder ver a Luis Miguel en una de sus primeras presentaciones aquí en Argentina, un verdadero recuerdo, de colección, imperdible.

AQUI SE REENCONTRABA CON SU MADRE

DISFRUTALO

David McWilliams : SIN PALABRAS

David McWilliams - Days of Pearly Spencer

QUE TAL HE? DISFRUTALO

JOSE FELICIANO: LO ESCUCHABAN TUS VIEJOS

CONOCE MAS DE JOSE Y SU HISTORIA

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José nació el 10 de septiembre de 1945 en el pueblo de Lares en Puerto Rico. Víctima de glaucoma congénita, su entorno familiar estaba compuesto por otros 10 hermanos varones. Sin gozar del privilegio de la vista, su amor con la música se inició a los tres años mientras acompañaba a su tío con una lata de galleta. Dos años más tarde, en 1950, su familia emigró a la ciudad de Nueva York. Allí aprendió a tocar la concertina a los seis, usando un puñado de discos de su maestro. Cuando tenía ocho años tocó para sus compañeros de clase en la Escuela Pública 57 y, un año m s tarde, se presentó en el Teatro Puerto Rico localizado en el condado del Bronx.

Aburrido de su acordeón, aprendió por modo propio a tocar la guitarra utilizando discos como única guía. Con todo un bagaje de trasfondo compuesto por su temprana exposición a la música jíbara y boleros, su llegada al Norte lo expuso también al rock & roll de los años 50, fusionándose en ‚l ambas influencias en las 14 horas diarias que dedicaba a tocar la guitarra.

Feliciano abandonó la escuela a los 17 años. En esa época su padre no trabajaba y para ayudar económicamente a la familia, comenzó a tocar en los cafés de Greenwich Village. De esta forma sus primeros salarios los obtuvo pasando el sombrero. Pero en ese mismo año de 1957 fue que se dio su primer compromiso profesional en Detroit.

Poco después, una crítica musical sobre su presentación en el Gerde's Folk City se refirió a él como "un mago de diez dedos que hace retozar, correr, ondular, picotear y reverberar sus seis cuerdas, en un estilo incomparable". Y a esos elogios el crítico añadió: "Si quiere usted presenciar el nacimiento de una estrella, aproveche la oportunidad de ver al señor Feliciano antes de que parta mañana por la noche".

Según se documenta en el libro "Nueva Ola Portoricensis", José Feliciano fue contratado en 1964 por la multinacional RCA Víctor. Con ellos editó su primer disco "The Voice and Guitar of José Feliciano". Y ante el lanzamiento los aplausos de la crítica no se hicieron esperar.

Un año más tarde José lanzaría una nueva producción titulada "A Bagful of Soul". Pero ante la dificultad de posicionar al guitarrista como producto en el mercado discográfico la RCA decidió enviarlo a Argentina a participar en el Festival de Mar del Plata. Fue en el Cono Sur donde surgió la idea de grabar un álbum de boleros. Y con el lanzamiento de "Sombras... Una voz y una guitarra", José Feliciano inició la inesperada conquista del mercado hispano.

Sólido en el mercado latino, no fue hasta 1968 que la RCA anglosajona logró dar con la fórmula que lanzaría al boricua a primeros planos en el pentagrama anglosajón. Con una nueva versión del tema "Light My Fire", José irrumpió en las listas de éxitos de Billboard y en 1969 ganó dos Grammy como artista revelación y canción del año. Mas una controversia surgida por su interpretación del himno de los Estados Unidos durante un partido de la Serie Mundial bloqueó su regreso a primeros lugares durante varios años.

Sin embargo, ese boicot no evitó que el talento de Feliciano brillara tanto en el mercado sajón como en el hispano parlante. A éxitos como "Rain" y "Destiny" se unió entonces su acertada participación en el Festival de San Remo en Italia, donde convirtió en un clásico el tema "Ché será ". Con la apertura del mercado europeo, José también reverdeció laureles en suelo hispano. Y en 1974 igualmente repercutió en las ondas sajonas con el tema "Chico and the Man".

Su carrera discográfica atravesó por un periodo de altas y bajas hasta que en la d‚cada del 80 decidió volver a grabar en español. Con el lanzamiento del álbum "Escenas de amor" en 1982, José adquirió una fuerza espectacular en el mundo latino. Desde entonces grabaciones como "Me enamoré‚", "Como tu quieres", "Ya soy tuyo", "Te amar‚", "Tu inmenso amor" y "niña" marcaron la d‚cada del 80 y añadieron varios Grammys a su carrera.

Del mismo modo, la versatilidad musical que siempre le ha distinguido, volvió a evidenciarse con su cosecha discográfica en la d‚cada del 90 la cual incluyó producciones como "Steppin' Out", "Latin Street '92", "Americano" y "Señor bolero".

En la apertura de un nuevo siglo la carrera de José Feliciano ha servido de ejemplo para la comunidad latina a través de los años. De esta forma su voz se ha escuchado en grabaciones en cuatro idiomas, ha abordado géneros tan difíciles como el clásico, y su labor como compositor ha trascendido en el pentagrama de varios continentes.

Orgulloso de su nacionalidad puertorriqueña, la cual proclama desde los mismos inicios de su carrera, su discografía incluye aciertos como "Amor gitano", "La copa rota", "Tú me haces falta", "Por ella", "Paso la vida pensando" y "Después de ti no hay nada". Y entre sus múltiples homenajes la ciudad de Nueva York le puso el nombre de José Feliciano Performing Arts School a la Escuela Pública 155 en East Harlem, mientras en Puerto Rico el Banco Popular le dedica su proyecto artístico anual correspondiente al año 2000.

Ante sus innumerables aciertos, en los que también se complementan su estabilidad como individuo y la feliz paternidad de dos retoños, José Feliciano ha sido uno de los primeros latinos que logró triunfar en varios mercados a través del llamado "croosover", mientras en su natal Puerto Rico ha sido reconocido como "Un Puertorriqueño para la Historia".

Discografía principal -

The Voice and Guitar of José Feliciano RCA 1965

A Bag Full of Soul RCA 1966

Fantastic Feliciano RCA 1966

Sombras... una voz, una guitarra RCA 1967

Más‚ éxitos RCA 1967

El sentimiento, la voz y la guitarra de José Feliciano RCA 1968

Feliciano! RCA 1968

Souled RCA 1969

Alive Alive-O! RCA 1969

Fireworks RCA 1970

10 to 23 RCA 1970

Sombras... Una voz, una guitarra RCA

Más éxitos de José Feliciano RCA

El sentimiento, la voz y la guitarra de José Feliciano RCA

El fantástico RCA 1970

José Feliciano (Feliz Navidad) 1970

January '71 262 RCA

En mi soledad No llores mas RCA

Ché será RCA 1971

Encore! RCA 1971

That the Spirits Needs RCA 1971

Canta otra vez RCA 1971

Felicidades con lo mejor de José Feliciano RCA 1971

Más éxitos de José Feliciano RCA LPV 1972

Dos cruces / El jinete 1972

Sings RCA 1972

Memphis Menu RCA 1972

Compartments RCA 1973

Canta otra vez RCA 1973

And the Feeling's Good RCA 1974

Just Wanna Rock & Roll RCA 1975

For My Love... Mother Music RCA 1975

Angela Private Stock 1976

Sweet, Soul, Music Private Stock 1976

Jose Feliciano (Everybody's Loves Me) Motown 1981

Escenas de amor CBS 1982

Romance in the Night Motown 1983

Me enamoré Motown Latino 1983

Como tú quieres RCA 1984

Ya soy tuyo RCA 1985

Te amaré RCA 1986

Tu inmenso amor RCA 1987

I'm Never Gonna Change Motown 1988

Niña RCA 1990

Steppin' Out Optimista 1990

Latin Street '92 Emi Latin 1992

Americano Emi Latin 1996

Señor bolero Polygram 1998

Guitarra mía BPPR 2001

Señor bolero 2 Universal 2003

Discografía alterna -

Mackenna's Gold Soundtrack RCA 1969

San Remo Festival 1971

Top Star Festival (Unicef - Alemania)

Top Star Festival (Unicef - USA ) CBS 1972

¡Bésame mucho! CRA 1974

Preciosa disco (Puerto Rico)

Cantar‚, cantar s - Hermanos del Tercer Mundo 1985

Never Gonna Change Hispavox 1989 (España)

War Avenue Records 1994

Un pueblo que canta 1994

Somos un solo pueblo 1995

Fabio Concato Polygram (Italia) 1996

Siempre Piel canela 1997

Y sigo siendo el rey BMG 1998

Con la música por dentro 1999

Recopilaciones-

Antología (España) RCA 1972

Los éxitos del fantástico TV Records 1972, 1973, 1974

Los grandes ‚éxitos de José Feliciano RCA 1983

Los éxitos de José Feliciano CBS 1983

Los grandes éxitos de José Feliciano Vol. II RCA 1984

El latino romántico (México) 1985 RCA

Gracias... Mi gente! RCA 1987

L grimas negras y otros boleros originales RCA 1988

Los 15 especiales de José Feliciano Globo 1989

Che sara His Greatest Hits Woodford 1991 (Holanda)

Éxitos y recuerdos EMI Latin 1995

En mi vida Rodven 1995

José Feliciano Eurcom 1995 (Italia)

The Best of José Feliciano Sonora 1995 (Italia)

Present Tense Fono Music 1996 (Gran Bretaña)

Espectacular Point 1996 (Argentina)

Feliciano 1996

José Feliciano Upbeat 1996 (Italia)

José Feliciano Eagle 1997 (Irlanda)

Lo mejor de dos mundos BMG 1997 (España)

Light My Fire Wise Buy 1997

El amor de mi vida Fuel 2000

BARRY WHITE & PAVAROTTI UN MOMENTO INOLVIDABLE, UNA JOYITA

PAVAROTTI & BARRY WHITE

UN TEMAZO SUBTITULADO

BARRY WHITE Y SU TEMA DE AMOR

Burry White nació el 12 de setiembre de 1944 en Galveston, Texas, Estados Unidos, y falleció el 4 de julio de 2003 en Los Angeles, California, Estados Unidos. Creció en Watts, Los Angeles, sumergiéndose en la fraternidad musical local cuando era aún muy joven, tocando el piano en el éxito de R&B de Jesse Belvin “Goodnight My Love”, a los 11 años. Barry realizó varias grabaciones durante principios de los ’60 usando su propio nombre, Barry Lee, y como miembro de los Upbronts, los Atlantics y los Majestics. Sin embargo, encontró un éxito mayor trabajando tras bambalinas, guiando las carreras, entre otros, de Felice Taylor y Viola Wills. En 1969 White creó Love Unlimited, un trio vocal femenino formado por Diane Taylor, Glodean James (su futura esposa) y su hermana Linda. También fundó la Love Unlimited Orchestra, un ensamble de 40 instrumentos para acompañarse a si mismo y al trio, para la cual compuso y realizó arreglos, además de dirigirla. El éxito de Love Unlimited de 1972

MIRA Y ESCUCHA ESTA BELLA MELODIA

PORQUE EL BAUL DE LA MEMORIA?

Porque necesitas recordar siempre.

Porque entendemos que los recuerdos forman parte de nuestra vida diaria, inevitablemente siempre algo nos recuerda a un tiempo que pudo ser "mejor" o "peor".

Una canción, un poema, una palabra, una voz, un video, una carta, un llamado telefónico, un aviso, un momento nos retrotrae en el tiempo y nos permite volar con la imaginación.

Para los nostálgicos, para los enamorados de las cosas mas simples, para quienes necesitan un recreo en su agitada vida de adultos, este Baúl lleno de imágenes y sonidos les permitirá sentirse mas vivos que nunca.

Te invitamos a que lo compartas
A que nos escribas
A que nos hagas llegar eso que no podes olvidar
A que le escribas a quien recordas siempre
A que no pidas una canción para compartirla
A disfrutar de los videos mas increíbles de un tiempo que esta presente en nuestra memoria.
A que revivas cada vez que abras este baúl un momento de tu vida muy especial.
A compartir con los demás nuestros mejores momentos

EMPECEMOS A RECORDAR

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TELEJUEGOS En los 70 y 80 fue una figura popular de la televisión orientada a los chicos. Pero en 1985 desapareció de la pantalla y hoy es la dueña de "La Martina" Gachi Ferrari fue ícono de los programas infantiles en la televisión de los años 80. Hace unos 20 años decidió tomarse un descanso de la pantalla pero ese descanso se convirtió en un adiós. Dio el primer paso en los medios siendo modelo, la exposición le permitió darse el lujo de trabajar como actriz, en aquellas tiras como “Pobre Diabla” y “Mi Cuñado”, y a renglón seguido se dedicó a los más chiquitos. Cuando en 1978 nacía “ATC”, un programa ómnibus llamado “Show Fantástico” la tuvo como conductora, y al poco tiempo, en la misma señal, se lanzaba “Telejuegos”. Con el auge de Anteojito, pegó el salto a Canal 9 y se puso al frente de “El club de Anteojito y Antifaz” junto a otro joven que ya no está frente a cámara: Marcelo Marcote (hoy, un reconocido pediatra). Cada noche, los chicos nos íbamos a la cama con el saludo de “Petete” y con Gachi despidiéndonos para dormir y arropando al popular muñeco. Pero en 1985 su vida cambió. Siendo una figura muy popular de la televisión, había conocido a Lando Simonetti, un empresario textil italiano que justamente había traído una marca de ropa infantil para comercializar en el país. Comenzaron su relación y, convocada por él para ayudarlo a crear una marca, Gachi quiso tomarse un año sabático para concentrarse en el proyecto junto a su pareja. Nunca pensó que ese año se convertiría en un final para su carrera. Pero las vueltas de la vida dan sus revanchas para los talentosos. Gachi Ferrari hoy tiene 50 años, vive feliz con su marido, y es la dueña de “La Martina”, una de las marcas top del mundo del polo con productos de cuero e indumentaria informal. Ella misma diseña los modelos y colores de cada temporada. “Trabajar al mismo tiempo en la tele y con la marroquinería fue durísimo” recuerda hoy Gachi; “viajaba mucho al exterior y para seguir en la tele grababa programas para tener de parrilla. Pero todo se fue complicando y no podía con las dos cosas, entonces dejé a los chicos y me quedé con mi nuevo proyecto”. Hoy reconoce que está feliz con su proyecto, pero admite que extraña la popularidad. “El que dice que no le importa que no lo reconozcan por la calle habiendo sido famoso, es mentira”. Y no se priva de volver atrás en el tiempo y recordar que en un principio sintió un sabor amargo “cuando dejé la tele sentí un gran vacío, pero me fui acostumbrando. Después de algunos años sin estar frente a cámara sentía como raro que la gente no me reconozca por la calle, pero seguí adelante”. Su presente consiste en viajar constantemente a los Estados Unidos y Europa para conocer las nuevas tendencias de la moda. Una de las metas que se propuso desde un principio es garantizar prendas de calidad con las mejores materias primas, modelos clásicos y a la vez de muy buen gusto. Junto a Lando y a los hijos que ambos tienen de su primer matrimonio llevan una vida en común. Los que tenemos más de 30 recordamos perfectamente el “buenas noches” de Gachi con Petete.

Leyendas de ayer: ¿Qué fue de la vida de los Titanes en el Ring? Algunos fallecieron y otros se jubilaron o formaron su propia troupe. Para algunos, “Titanes en el Ring” fue mucho más que un programa televisivo que nació en los ’60 y tuvo su segundo pico de éxito en los ‘80. En sus días de gloria, el espectáculo familiar monopolizaba la audiencia durante su emisión y cientos de miles de niños, y adultos, seguían atentamente cada lucha de sus personajes más queridos y odiados ya que, como en toda historia, había malos y buenos. Corría el año 1962 y Martín Karadagian, que ostentaba un dudoso título de Campeón del Mundo, estrenaba en canal 9 un espectáculo de televisión nunca visto hasta ese entonces. La fórmula era sencilla pero no por eso menos atractiva: dos luchadores de catch que se propinaban golpes que parecían reales, un cuadrilátero con una base de lata para que las caídas fueran más sonoras, una voz desaforada que relatase la pelea, aplausos y toda una puesta en escena con personajes extravagantes y mitológicos que se mezclaban con el público haciéndolos cómplices de sus victorias y derrotas. La palabra "catch" es una abreviatura de "catch as catch can", frase en inglés que en la Argentina se popularizó como "cachacascan", y que define este tipo de combates que une lucha libre con espectáculo, comedia y fantasía. Los 2 hombres que interpretaron el personaje de la Momia Blanca antes que Figueroa, murieron en un accidente automovilístico. “Titanes es toda mi infancia, me crié viendo el programa desde los 4 años. Éramos muy inocentes, nos creíamos que los personajes eran de verdad. Yo me identificaba con los buenos”, confesó Marcelo Falottico (40), fanático del ciclo. Hoy, a más de 40 años de su creación, las figuras que se ganaron la simpatía y el desprecio de varias generaciones de chicos como Mister Chile, el Caballero Rojo, la Momia Blanca, el Indio Comanche, William Boo, El Capitán Minerva y el Payaso Pepino, y tantos otros, siguieron su propio camino. Algunos fallecieron, otros siguen con el espectáculo pero de forma independiente y otros son jubilados y viven de sus ahorros. ¿Cómo es la vida de un ex Titán? Atrás quedaron los tiempos en que el Indio Comanche despedía fuera del ring a sus adversarios con la famosa patada voladora y los reducía con sus dedos magnéticos. Era admirado por los chicos y aclamado por los más grandes. Desde que dejó el ring cerca de los ’80, volvió a ser Elías Revoredo Aguilar (80), un hombre común y corriente. De aquel tiempo a esta parte, trabajó de otras cosas pero actualmente vive de sus ahorros. “Tuve una fábrica de remeras y agendas. Hoy soy jubilado pero como el personaje lo había inventado yo, siempre puse condiciones en los contratos que me favorecieron y pude ahorrar bastante plata”, contó a el legendario Indio. Otra suerte corrió Hugo Luciarini (71), conocido popularmente como el Payaso Pepino. Hace tiempo que el hombre tiene un pelea judicial con los descendientes de Karadagián (el creador del show) para que le den la jubilación. “Hace 8 años que vivo con mi señora en la casa que heredó de la madre y tengo que seguir trabajando para mantenerme”, resaltó el hombre a . Luciarini como otros tantos, armaron su propia troupe y continúan de manera independiente con presentaciones en colegios, clubes y festivales barriales. Juan Figueroa (57), el hombre que recreó personajes como El Androide, El Dogo y durante los últimos años el de la famosa Momia Blanca, también hace shows junto a otros luchadores. “Trabajo como instructor de pesas en el club Vélez Sarsfield y ahí mismo me dieron un espacio para montar un ring y practicar. Pero además, hace 32 años que trabajo como administrativo en una obra social”, explicó a Figueroa. Podrán imitarlos pero nunca igualarlos El estilo de pelea presentado por “Titanes en el Ring” fue copiado por otros programas como “Lucha Fuerte”, “Gladiadores del Ring” (en Uruguay) y más recientemente “100 % lucha” pero ninguno alcanzó el mismo éxito. Los que conocen del tema aseguran que las nuevas versiones no le llegan ni a los talones a la original. “El que es ‘titanesco’ de ley como yo sabe que esto no es lucha. Es una copia fiel de lo que hacen en Estados Unidos. Incluso los cuerpos son distintos. Éstos son más musculosos y no muestran ninguna habilidad ni elasticidad”, enfatizó Falottico. Por su parte, quien fuera el Payaso Pepino, coincidió con el admirador del formato en el sentido de que el estilo de pelea actual es muy distinto al que practicaban ellos. “Teníamos más destreza, yo volaba por los aires. Pero además, ‘100% Lucha’ es más agresivo”, señaló el ex luchador. Sin embargo, no todos los legendarios titanes opinan lo mismo. Para el ex Indio Comanche, los muchachos de ahora trabajan muy bien y difiere de su colega ya que a su parecer, el show era más violento antes porque los golpes tenían un 80% de verdad. En un punto intermedio se encuentra Figueroa. El instructor de pesas dijo que no se trata de un problema de calidad sino de preparación artística de los personajes. "Nosotros éramos más actores, les falta recrear la fantasía para que los chicos se crean el cuento", finalizó.

TEMA DE LA NOVELA

Rolando Rivas, taxista fue una telenovela argentina, creada por Juan Alberto Migré, emitida durante el año 1972 por el Canal 13 de Buenos Aires. La serie cuenta la historia de un taxista porteño, de nombre Rolando Rivas, que se enamora de Mónica Helguera Paz, una estudiante secundaria de un nivel social más alto. La historia se desarrolla entre personajes cotidianos y con un lenguaje coloquial en ámbitos barriales reconocibles, que marcan un giro en el formato de las telenovelas. También están presentes datos de la realidad social y política del momento. La trascendencia de la novela se basa en los altos niveles de audiencia logrados teniendo en cuenta la época de emisión y el género de la historia. Sus protagonistas principales fueron Carlos García Satur, en el rol de Rolando, y Soledad Silveyra, en el papel de Mónica. "INOLVIDABLE"

LA HISTORIA DE BORIS KARLOFF Boris Karloff (23 de noviembre de 1887 – 2 de febrero de 1969), nacido William Henry "Bill" Pratt, fue un actor británico conocido por sus papeles en películas de terror. Hijo de Edward John Pratt Jr y su tercera mujer Eliza Sarah Millard, el futuro actor nació en Camberwell, Londres, y creció en Enfield. Huérfano en su juventud, asistió a clases en la Enfield Grammar School antes de trasladarse a la Uppingham School, la Merchant Taylors' School, y de forma eventual a la Universidad de Londres. La primera meta de Karloff era unirse al servicio diplomático; su hermano Sir John Henry Pratt, llegó a convertirse en un famoso y distinguido diplomático. En 1909, Pratt viajó a Canadá, cambiando su nombre. Por razones de salud, no combatió en la Primera Guerra Mundial. Una vez que llegó a Hollywood, California, Karloff participó en numerosas películas mudas, antes de aparecer como El monstruo de Frankenstein en Frankenstein (1931), la película que le convirtió en estrella y que rodó gracias a que Bela Lugosi rechazó el papel. Un año después ínterpretó a otro personaje icónico , Imhotep, en La Momia. Su altura y el éxito de Frankenstein (donde apareció en los títulos de créditos solamente como Karloff) le encasillaron en el género de terror (donde realizó numerosas películas para la Universal Pictures), aunque participó en otros géneros como en The Lost Patrol de John Ford en 1934. Karloff interpretó al monstruo de Frankenstein dos veces más; La novia de Frankenstein (1935) y El hijo de Frankenstein (1939), con Lugosi como el loco Ygor. Precisamente con Lugosi ´coincidió en otros dos importantes títulos El gato negro (1934) y The Raven (1935). A pesar de los papeles que le hicieron famoso, Karloff fue conocido en su vida real como un caballero generoso, sobre todo con la infancia. En sus últimos años actuó varias veces en la televisión. Boris Karloff murió de neumonía en el King Edward VII Hospital, Midhurst, Sussex a la edad de 81 años, siendo incinerado. Por su contribución Boris Karloff fue galardonado con dos estrellas en el legendario Paseo de la Fama, en el 1737 Vine Street (por sus películas) y 6664 Hollywood Boulevard (por televisión). Se le considera como uno de los grandes actores clásicos del cine de terror, junto a Lon Chaney Jr. (como el hombre lobo) y Bela Lugosi (como Drácula).

EL TOCADISCOS Sistema de Reproducción del sonido. El tocadiscos también ha sido conocido como platina de discos, giradiscos, tornamesa, fonochasis o pickup. Ninguna de estas cuatro últimas nomenclaturas tiene demasiada aceptación. Fonochasis Se conoce como fonochasis al conjunto formado por el plato giradiscos, la cápsula y el brazo fonocaptor que componen el esqueleto de cualquier tocadiscos. plato giradiscos La parte del plato giradiscos en la que el disco da vueltas es la que se conoce como rotor. No obstante, el rotor no es la única parte del plato giradiscos, pues éste también engloba al motor encargado de proporcionarle la energía al rotor. La velocidad con que el motor haga girar al rotor ha de ser ajustada, para permitir el rozamiento preciso de la aguja con el surco del disco. Si esta velocidad no se correspondía el sonido no era correctamente reproducido y, además, se podía deteriorar el disco (rallarlo, etc).